"CARMINA O REVIENTA" (2012) de Paco León

Título original: Carmina o revienta. País: España. Duración: 70 min. Género: Comedia. Fotografía: Juan González Herrero.

Interpretación: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus.

¿Quién nos iba a decir que el simpático LuisMa de "Aida" nos iba a encandilar con está obra magistral?. Paco León se ha sacado de la manga un excelente ejercicio cinematográfico lleno de frescura, gracia y salero, en esa mezcla de ficción y realidad que lidera esa madre que lo parió y que es más natural que la leche de vaca: Carmina Barrios. Esa Carmina que quedará para siempre retenida en nuestras pupilas: fumadora empedernida, malhablada y ordinaria, luchadora de su negocio y de los suyos aunque roce la ilegalidad, altiva pero barriobajera y sobretodo muy bruta. 

La historia planteada es sencilla: sentada en la cocina de su casa y de madrugada, fumando cigarrillos encendidos con el mechero de la cocina y cuidando una cabra, reflexiona sobre su vida del último mes donde su hija (excelente María León haciendo el papel de "choni"), su marido borracho y aprensivo de los nervios, los robos de los jamones de su bar y la comunión de barrio de una familiar suya, centran la atención, donde la ambientación da siempre una sensación de soledad, con una fotografía a veces cercana a a veces distante. La cámara busca los primeros planos, al hombro, con cierto movimiento pero también hay momentos para esos planos fijos ante Carmina donde la mujer derrocha espontaneidad y frescura, en un guión existente pero no memorizado sino pasado por el tamiz de la forma de ser de esta actriz de 58 años que sería merecedora ya de un fichaje inmediato de Almodóvar. No es de extrañar que en el pasado Festival de Cine de Málaga se llevasen tres biznagas porque hacia tiempo que yo no veía algo tan fresco, divertido con toques amargos y a la vez tan bien dirigido. Inolvidables las escenas varias del Dyane 6 y la del Cobrador del Frac.

No dudéis de verla en cualquiera de los formatos que nos ofrece su director para superar la crisis actual. Podemos ver cine a precios económicos. Esperamos en candeletas tu próximo filme, Paco. Gracias por tu buen hacer.

Puntuación: 9,6

"CHRONICLE" (2012) de Josh Trank

Título original: Chronicle. País: Reino Unido y Estados Unidos. Duración: 84 min. Género: Ciencia-ficción. Fotografía: Matthew Jensen.

Interpretación: Dane DeHaan, Michael B. Jordan, Michael Kelly.

En muchas ocasiones vas al cine por inercia y según el día, te apetece ver películas teóricamente insustanciales. La presentación de "Chronicle" podría ser algo tan banal como un grupo de adolescentes con superpoderes, un argumento que haría huir al más pintado. La película empieza recordándonos esa cámara subjetiva de "The blair witch project" en evolución hacia "Paranormal activity". Un adolescente que vive dentro de una familia desestructurada por el alcohol y la enfermedad decide comprar una videocámara para simplemente grabar su anodina vida. Un chico peculiar y distinto, poco sociable, que en una "rave party" y en pleno colocón se une a dos amiguetes más que en un momento de alucinación pastillera se introducen en una cueva donde algo sobrenatural y en forma de "macgufin" (ya que no sabemos su procedencia) convierte a estos muchachos en seres con poderes basados en la telequinesia. Una evolución que llevará desde el buen rollito de los juegos adolescentes hasta un final apocalíptico digno de la mejor pelea de "Superman". El otro día, comentando la película, un experto cinéfilo dijo que podría ser un primer paso para la realización, con actores de verdad, de los cómics de "Akira". Y no andaba muy lejos.
Estos elementos argumentales hacen del filme un juego acrobático admirable con piruetas imposibles, efectos especiales excelentes y un trasfondo que nos advierte que el uso de la mente puede ser muy peligroso. Aquel que tenga la capacidad de manejarla a su real gana se puede convertir en el déspota más grande de la historia de la humanidad tal como vemos en la película. No esperéis una gran profundidad de guión, tampoco una interpretación de actores sublime, pero sí una sensación de película dinámica, moderna y afín al cine de acción, pero con unas características que la alejan del cine palomitero. Bella, oscura, "teenager", cruda, urbana, diferente.

Puntuación: 9,0 

"LA INVENCIÓN DE HUGO" (2012) de Martin Scorsese

Título original: Hugo. País: Estados Unidos. Duración: 128 min. Género: Fantasía. Fotografía: Robert Richardson.

Interpretación: Asa Butterfield, Ben Kingsley, Chloe Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee.

Los prejuicios cinematográficos y ciertas manías persecutorias hacia grandes directores de cine hace que obras maestras como "La invención de Hugo" pasen desapercibidas aunque hayan sido nominadas a 11 Óscar de la academia de Hollywood. Lo digo porque todo el mundo habla de la muda "The Artist", de la magistral interpretación de Meryl Streep en "La dama de hierro", pero ¿se ha comentado de manera general la maestría e inventiva de este filme?. Es más, cinéfilos empedernidos han obviado su visión por aquello del 3D o por esa sensación juvenil que emana su tráiler. Pues señores, se equivocan.
Martin Scorsese se reinventa una vez más demostrando su valentía  introduciéndose, en esta ocasión, en el peligroso mundo de la fantasía de un preadolescente que vive en la Francia de los años 20, entre piezas de reloj y autómatas, huyendo del inspector que disfruta enviando a los niños a los orfanatos y todo ello coreografiado dentro de una estación parisina que es el microcosmos de todos ellos. El misterioso anciano de la tienda de juguetes esconde uno de los secretos más bellos de la película: el cine. Un soberbio homenaje a Georges Meliés, ese mago del cine mudo, recuperado para uso y disfrute de la imaginación máxima de una tecnología mínima que consiguió grandes efectos visuales. Que decir tiene que la excusa de la tridimensionalidad aquí consigue una excelencia única en esos travelings imposibles de filmar con cámara real, esos engranajes en primer plano que llenan de nostalgia las escenas o ese París retocado infográficamente para convertirlo en mágico. Los actores, todos ellos, están excelentes y enigmáticos, distantes pero tiernos, jóvenes viejos y viejos rejuvenecidos por la magia del recuerdo. La complicidad de los niños es absoluta y sus pesquisas nos llevan al descubrimiento de quién es aquel anciano taciturno y triste que fue el creador de la ciencia-ficción cinematográfica. Toda una demostración de cine total.

Puntuación: 9,6

"WAR HORSE" (2012) de Steven Spielberg

Título original: War Horse. País: Estados Unidos/Reino Unido. Duración: 146 min. Género: Drama. Fotografía: Janusz Kaminski.

Interpretación: Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson y David Thewlis.

Quizás me tachéis de oportunista o de comercial, pero no he podido evitar enamorarme de este producto Spielberg pensado para los Óscars 2012 y con más motivo cuando encima ha sido ninguneado por la academia. Pero ya sabemos que los buenos filmes no son siempre laureados con grandes premios.

Cuando yo ya tenía mis serias dudas sobre la calidad de Spielberg en sus últimas películas y después de productos tan heterogéneos como los vistos en los útlimos años, la calidad, la belleza y el espectáculo surgen de nuevo de la mente de este gurú que cambió el concepto del cine en los años 80 del pasado siglo. A lo largo de su carrera el todopoderoso cineasta de ascendencia judía ha tocado muchos palos: para todos los públicos como "E.T.", bélico en "Salvar al soldado Ryan", histórico en su "La lista de Schindler" o de animación como en "Tintín".

Si pudieramos hacer un cóctel con todos estos ingredientes que vamos a llamar "War horse" y lo pudieramos servir en una elegante copa podríamos saborear esta película con fruición, porque la exquisita ambientación rural, la cambiante pero rutilante fotografía y la sucesión coral de los protagonistas es antológica... y no hablemos del caballo de marras. Sublime el cariño con el que trata esa relación de amistad/devoción entre el muchacho (el nuevo Ethan Wawke  del siglo XXI y llamado Jeremy Irvine) y ese caballo fiel a su amigo, que batallará por salvar la familia que lo ha acogido, cuidará de su madre hasta el final en plena contienda y se mostrará como héroe de guerra de la I Guerra Mundial, en esa pasión patriotera y exacerbada que los directores americanos conservadores siempre presentan en sus cintas.

Ante la previsibilidad de los acontecimientos la película pierde cierto peso, pero las diversas aventuras que corren los personajes alrededor del pura sangre Howie no tienen desperdicio, como el de la adolescente francesa. Un mosaico de situaciones con el denominador común y el testimonio silente de ese equino de gran fuerza física, mirada noble y fidelidad extrema. Una hermosa película ideal para pasar una tarde de domingo en familia.  Atención a ese final a lo "Raíces profundas" donde sobran las palabras y la fotografía se convierte en la auténtica protagonista. Verla es quererla.

Puntuación: 8,3

"ALBERT NOBBS" (2012) de Rodrigo García

Título original: Albert Nobbs. País: Irlanda. Duración: 108 min. Género: Drama. Fotografía: Michael McDonough.

Interpretación: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Janet McTeer.

Asomarse al mundo de Rodrigo García es como introducirse en un espacio con un tempo mesurado, con una atmósfera dramática y un realismo lleno de belleza y sutilezas. Glenn Close repite por tercera vez con este magistral realizador en un papel único y pensado para actrices de la talla de esta grandísima artista que se prodiga más bien poco en la gran pantalla. Un papel que, por cierto, ya realizó para el teatro en 1982 y que ahora ha interpretado para el cine. Un peculiar hombre hace de camarero en un lujoso y familiar hotel dublinés del siglo XIX. Este sencillo argumento se convierte en una compleja trama de sentimientos cuando este callado, circunspecto y educado lacayo resulta ser una mujer con una única convicción: ahorrar para poder montar un negocio y crear un hogar al lado de su mujer. El sufrimiento, las dudas y las sensaciones de una tendencia sexual desconocida en aquellos años, sobretodo en ciudades tan ortodoxas y cerradas como Dublín, crea un conflicto en los ordenados ideales del Sr. Nobbs sobretodo con la aparición del Sr. Page (excelente Janet McTeer) y su mundo privado. El amor imposible e interesado y la mala suerte acompañarán al protagonista en esta cinta que destila tristeza y soledad por los cuatro costados.

El director ha conseguido una ambientación elegantísima, evocadora de aquel "Dublineses" de John Houston y una dirección de actores de corte teatral con una calidad y frescura inusitada en el cine actual. Jonathan Ryes-Meyers se pasea en forma de "cameo" como un simple vividor de la nobleza del momento y la administradora del establecimiento es deliciosamente odiosa y uraña.

No queremos diseccionar más una película absolutamente magistral, bella y única. No tengan pereza en verla: saldrán del cine enamorados del filme.

Puntuación: 9,3

"THE ARTIST" (2012) de Michel Hazanavicius

Título original: The artist. País: Francia. Duración: 100 min. Género: Cine mudo. Fotografía: Guillaume Schiffman.

Interpretación: Jean Dujardin, Berenice Bejo, John Goodman y Penelope Ann Miller.

Los homenajes a géneros cinematográficos o la revisión de los mismos a veces pueden hacer caer en desgracia o simplemente no funcionar a aquellos aguérridos directores que quieren probar suerte. En plena época del cine en 3D, donde importa más la acción que no el guión y no es un pareado, este director francés, amante del cine mudo, ha utilizado 13 millones de dólares para hacer eso, un homenaje al cine de los años 20. Unos felices años donde la gran meca del cinematógrafo ya era Hollywood y en el que parece que Hazanavicius realice un filme recién sacado de la filmoteca en forma, concepto y argumento.

Basado en los melodramas típicos del período, "The artist" nos cuenta como George Valentin, un actor famosísimo del período mudo del cine, se niega a aceptar la llegada del sonoro, lo que le lleva al olvido. En esta bajada a los infiernos y antes de iniciar su orgullosa caída conoce a la pizpireta Peppy, de la cual se enamora e introduce en la industria cinematográfica, convirtiéndose con los años, en una estrella rutilante del sonoro.

Huelga decir que Jean Dujardin en su papel de galán a lo Douglas Fairbanks jr. está lleno de maestría, picardía y elegancia, evocando a aquellas formas sobreactuadas del primer cine y con una credibilidad del 100%. Lo mismo hay que decir de su "partenaire" Berenice Bejo que está en estado de gracia: sutil, simpática y arrolladora. Evidentemente y emulando a las grandes producciones hollywoodienses del mudo, no podía faltar una banda sonora de acompañamiento al uso de los cines de antaño, donde el piano prevalece por encima de cualquier instrumentación, con sentidos homenajes a canciones de principios de siglo como "Pennies in heaven" o el magnífico "charlestón" de la parte final de la película. Ludovic Bource, ayudado por el excepcional compositor y pianista catalán experto en musicales Albert Guinovart, crea esta banda sonora perfectamente ubicable en cada una de las escenas del filme. Destacar también la importancia de los silencios que el director, a conciencia, coloca a lo largo del metraje, en un sentido homenaje al mudo más crudo o cuando enfatiza con ciertos sonidos (etapa presonora donde los efectos sonoros también se utilizaban) que prefigura un final que no desvelaremos. Es curioso fijarse que en la evolución temporal de la película y de la trama, los años evolucionan llegando a la fatídica fecha de 1927 (momento de la consolidación del sonoro) y ahí es donde vemos un cambio de registro de actuación de los personajes principales. Aunque en la película no haya diálogos (a excepción de los insertos), cuando estamos en la época del sonoro, los actores no sobreactúan tanto porque en su fuero interno ya se están comunicando y lo hacen de manera sutil. La ambientación es exquisita (vestuario, dirección artística, etc.) y sobretodo los momentos tiernos y excepcionales de la mascota de Valentín, ese perrillo actor y valiente como pocos y baluarte importante en decenas de películas mudas donde los animales daban el contrapunto.

No hay que tener miedo a ver esta película. Quizás sirva para destapar la caja de Pandora, otro gran clásico del mudo, y de esta manera descubrir un mundo lleno de obras de arte como "El nacimiento de una nación", "Avaricia" o "El acorazado Potemkin", sobretodo para esas nuevas generaciones que solo quieren acción y violencia.

Puntuación: 9,8